What is the importance of the relationship between an actor and a film director?

 There's an english version below!

Assim como uma equipe

atores e diretores

Analisando friamente, ter uma dupla no mundo artístico é como ter um amparo em meio às maiores incertezas daquilo que entendemos como "carreira". É um ponto de segurança ter alguém que possa nos apoiar no decorrer das decisões. No cinema, onde há uma exposição potencialmente global de um ideal de mundo, isso se intensifica. Quando falamos sobre movimentar o cenário da sétima arte, temos que ter a noção de que, muitas vezes, estamos falando sobre ressignificar e traduzir um ponto superindividual para uma noção que não somente seja compreensível, mas também convidativa. Duplas entre diretores e atores sempre foram presentes na história do cinema, como as de Akira Kurosawa, Jean-Luc Godard e a própria Kelly Reichardt. Independentemente do tempo e da qualidade, sempre houve uma relação de parceria entre aqueles que fazem um filme ganhar vida, e é sobre isso que vamos falar. O que é de fato o que forma e o porquê uma dupla cinematográfica é importante na carreira de ambos? É como uma dupla de amigos que se conheceram desde cedo, cresceram, vivenciaram, e experimentar momentos que tornam a relação algo seguro. E no cinema, isso é crucial para que ambos sejam passíveis de experimentarem apetrechos, motivações e métodos de se criar um cenário, um personagem, até mesmo a liberdade que é concedida de ativar e incentivar momentos experimentais, como improvisação por parte do ator, e do diretor, momentos disruptivos, como o diretor Hong Sang Soo utiliza em filmes como On The Beach at Night Alone, com takes longos que permitem e suplicam que a atriz Kim Min Hee se sinta cada vez mais imersa na cena. E eles serão importantíssimos em nosso texto!

Para aprofundarmos com mais clareza, podemos pegar um exemplo contemporâneo: Kelly Reichardt e Michelle Williams. Estrelando filmes como "Meek's Cutoff" e "Showing Up", essa dupla representa a renascença de um trabalho conjunto no cinema americano. Mas por que "renascença"? No mercado cinematográfico é muito comum notarmos que a fluidez de elencos, equipe técnica, cenários e métodos de gravação sejam mais prejudiciais do que algo positivo. Mas quando falamos de uma dupla estabelecida, temos então uma equipe pré-formada, temos vozes verdadeiramente ativas na produção que evidenciam um poder de escolha, algo que preestabelece frases como "O que esperamos de Michelle Williams na presença de Kelly Reichardt? Como em seus filmes anteriores...". Isso molda uma esfera que estabelece o filme até mesmo em visões financeiras, o famigerado lucro: há um tipo de público que irá assistir ao filme pela equipe, pelo grupo, houve um método que pode ou não se repetir, mas definitivamente, estabeleceu algo na mente dos espectadores...

O mundo atual enxerga o cinema como uma ferramenta de mercado, onde a política, o capital e interesses pessoais se tornam a prioridade, seja de um país, de uma única pessoa ou até mesmo de um movimento artístico. Nesse contexto, afirmo com total certeza que todas são válidas (válidas, não corretas!). Com isso, temos um cenário onde a individualidade do artista é muito mais valorizada pela sua capacidade de atração — ou seja, o ator do momento será escalado no filme porque ele trará o público. O filme, então, se torna um produto em sua totalidade, representando muito mais o interesse de produtores e empresas do que necessariamente a voz autoral dos artistas presentes.

Para termos exemplos concretos, podemos citar uma das atrizes que mais atrai público no cinema contemporâneo, Sydney Sweeney. Sydney se provou uma atriz qualificada na série Euphoria, mas sua gestão de carreira se mostra falha a partir do momento em que a atriz aceitou fazer parte de filmes recentes que não aproveitam seu potencial. A carreira solo de um ator é um ato de revolta propriamente dito, haverá momentos tão difíceis que o próprio questionará sua capacidade, se pode ou não se aventurar. Essa carreira solo não é algo como "estou sozinho", é justamente essa minha crítica, o cenário empresarial atual não favorece a carreira do ator como artista, mas sim como produto. Esse produto é em tese uma maneira de vender expressões, como o de Sweeney, há uma exploração excessiva (essa enfatizada por fãs e amantes de cinema) de seu corpo. O corpo de Sydney vende muito mais do que suas atuações, mesmo na série Euphoria, onde revelou sua capacidade dramática, é notório que seu corpo é o principal produto, pois é isso que vende. O mercado do artista solo é um mercado violento, criticado em filmes como A Substância: chegará uma idade em que esses atores serão forçados a migrarem para outros nichos, outros métodos, e talvez até lá o público precise se reinventar e a dependência disso é cruel.

E é aí que entramos com a segunda parte da nossa pergunta inicial: qual a importância do diretor?

Muitas pessoas enxergam o diretor de cinema como uma figura de autoridade, mas, na prática, a função do diretor não se limita ao filme, estando sim atrelada à capacidade de compreensão do set. O diretor é mais do que apenas o "luz, câmeras..."; o diretor é um pai do set. Ele precisa ter a visão de que a equipe depende dele, mas ele depende muito mais da equipe. Com isso, podemos concluir que o diretor deve ser um amigo, um psicólogo. Um diretor que maltrata, exclui e subjulga sua equipe é um diretor fraco. Nisso evidenciamos a dupla: se o "chefe" não pode gerir seus funcionários com clareza, como alguém gostará de trabalhar com ele? Portanto, a dupla de um diretor e ator passa por toda a equipe. A equipe dá a aprovação, dá o feedback necessário, e mesmo que ela mude nos próximos filmes, foi pela humanidade do diretor que houvesse a possibilidade de formar uma equipe. Como dito, a carreira solo de um ator é cruel, mas a de um diretor é extremamente sensível...

É aí que temos a relação entre o diretor e o ator. Essa dinâmica é muito mais acentuada quando temos em mente que lidamos com pessoas comuns, que possuem características únicas — o que se reflete na atuação. Portanto, quando um diretor assume a responsabilidade de extrair o melhor do ator, cria-se uma relação quase fraternal, algo de indivíduo para indivíduo.

Então, onde essa relação interfere no filme? É como se fôssemos um time de futebol. O técnico precisa entender as qualidades e dificuldades de seus atletas antes mesmo de montar o elenco. Trazendo para o cinema, se tivermos uma relação sólida entre um diretor e um ator, temos um estudo complexo de humanidade e de qualidade artística, o que enaltece os detalhes que elevam o filme. Um exemplo ímpar é o de Hong Sang-soo e Kim Min-hee. Eles fizeram diversos filmes juntos, os quais retratavam situações cotidianas que faziam parte da vida pessoal de ambos. Essa relação é confiança. A confiança de um diretor em um ator é tão importante quanto a de um filho em seus pais. No cinema de Hong Sang-soo, Kim é a liderança, a voz do diretor em seus filmes: ela guia os outros atores pelo método artístico dele. E esse é, provavelmente, o principal exemplo de como a relação pessoal pode impulsionar a profissional.

Concluindo, é uma questão de humanizar, no fim das contas. Trata-se de prezar por um ambiente confortável, mas sem abrir mão da profissionalidade — que muitas vezes é sufocada pela rigidez corporativa. O principal problema é que o cinema não é uma empresa! O cinema é uma arte, e arte precisa de espaço para crescer, se desenvolver e se enriquecer. Por isso, devemos valorizar muito o trabalho das "duplas" cinematográficas. Elas não estão ali pelo mercado, mas para se potencializarem mutuamente, sendo o principal retrato de que o cinema pode ser feito por amor.

ENGLISH:

Teammates, but make it in films...

Looking at it coldly, having a partner in the artistic world is like having a support system amid the greatest uncertainties of what we understand as a "career." It is a point of security to have someone who can support us throughout our decisions. In cinema, where there is a potentially global exposure of a worldview, this intensifies. When we talk about moving the landscape of the seventh art, we must realize that, often, we are talking about re-signifying and translating a highly individual point into a notion that is not only understandable but also inviting. Director-actor duos have always been present in the history of cinema, like those of Akira Kurosawa, Jean-Luc Godard, and Kelly Reichardt herself. Regardless of time and quality, there has always been a partnership between those who bring a film to life, and that is what we are going to talk about. What, in fact, forms a duo, and why is a cinematic partnership important for the careers of both? It is like a pair of friends who met early on, grew up together, shared experiences, and went through moments that make the relationship feel safe. And in cinema, this is crucial so that both are able to experiment with tools, motivations, and methods for creating a setting, a character, even the freedom granted to activate and encourage experimental moments, such as improvisation by the actor and disruptive moments by the director, as director Hong Sang-soo uses in films like On The Beach at Night Alone, with long takes that allow and almost beg the actress Kim Min-hee to feel increasingly immersed in the scene. And they will be extremely important in our text!

To delve deeper with more clarity, we can take a contemporary example: Kelly Reichardt and Michelle Williams. Starring in films like "Meek's Cutoff" and "Showing Up", this duo represents a renaissance of collaborative work in American cinema. But why a "renaissance"? In the film market, it is very common to notice that the fluidity of casts, technical crew, sets, and shooting methods is more harmful than positive. But when we talk about an established duo, we have a pre-formed team, we have truly active voices in the production that demonstrate a power of choice, something that pre-establishes phrases like "What do we expect from Michelle Williams in the presence of Kelly Reichardt? As in her previous films...". This shapes a sphere that establishes the film even from financial perspectives, the infamous profit: there is a type of audience that will watch the film for the team, for the group; a method was established that may or may not repeat, but it definitely established something in the minds of the viewers...

The current world sees cinema as a market tool, where politics, capital, and personal interests become the priority, whether of a country, a single person, or even an artistic movement. In this context, I state with absolute certainty that all are valid (valid, not correct!). With this, we have a scenario where the individuality of the artist is much more valued for their ability to attract an audience—meaning, the actor of the moment will be cast in the film because they will bring in viewers. The film then becomes a product in its entirety, representing much more the interest of producers and companies than necessarily the authorial voice of the artists involved.

For concrete examples, we can cite one of the actresses who attracts the most audience in contemporary cinema, Sydney Sweeney. Sydney proved herself a qualified actress in the series Euphoria, but her career management seems flawed from the moment the actress agreed to be part of recent films that do not utilize her potential. The solo career of an actor is an act of rebellion in itself; there will be moments so difficult that they will question their own ability, whether they can or cannot venture out. This solo career is not something like "I am alone"—that is precisely my criticism: the current corporate landscape does not favor the actor's career as an artist, but as a product. This product is, in theory, a way of selling expressions; as with Sweeney, there is an excessive exploitation (emphasized by fans and cinephiles) of her body. Sydney's body sells much more than her acting, even in Euphoria, where she revealed her dramatic ability; it is notorious that her body is the main product because that is what sells. The solo artist market is a violent one, criticized in films like The Substance: an age will come when these actors will be forced to migrate to other niches, other methods, and perhaps by then the audience will need to reinvent itself, and the dependence on this is cruel.

And this is where we enter the second part of our initial question: what is the importance of the director?

Many people see the film director as a figure of authority, but, in practice, the director's function is not limited to the film; it is tied to the ability to understand the set. The director is more than just "lights, camera..."; the director is a father figure on set. They need to have the vision that the team depends on them, but they depend much more on the team. From this, we can conclude that the director must be a friend, a psychologist. A director who mistreats, excludes, and subjugates their team is a weak director. In this, we highlight the duo: if the "boss" cannot manage their employees clearly, how will anyone enjoy working with them? Therefore, the duo of a director and actor involves the entire crew. The crew gives approval, gives necessary feedback, and even if it changes in future films, it was due to the director's humanity that there was the possibility of forming a team. As said, the solo career of an actor is cruel, but that of a director is extremely sensitive...

This is where we have the relationship between the director and the actor. This dynamic is much more pronounced when we keep in mind that we are dealing with ordinary people, who possess unique characteristics—which is reflected in their performance. Therefore, when a director takes on the responsibility of extracting the best from an actor, an almost fraternal relationship is created, something from individual to individual.

So, where does this relationship interfere in the film? It is as if we were a soccer team. The coach needs to understand the qualities and difficulties of their athletes even before assembling the squad. Translating this to cinema, if we have a solid relationship between a director and an actor, we have a complex study of humanity and artistic quality, which enhances the details that elevate the film. A peerless example is that of Hong Sang-soo and Kim Min-hee. They made several films together, which depicted everyday situations that were part of both of their personal lives. This relationship is about trust. The trust of a director in an actor is as important as that of a child in their parents. In Hong Sang-soo's cinema, Kim is the leader, the director's voice in his films: she guides the other actors through his artistic method. And this is, probably, the prime example of how a personal relationship can propel a professional one.

In conclusion, it is ultimately a matter of humanizing. It is about cherishing a comfortable environment, but without relinquishing professionalism—which is often suffocated by corporate rigidity. The main problem is that cinema is not a company! Cinema is an art, and art needs space to grow, develop, and enrich itself. Therefore, we must highly value the work of cinematic "duos." They are not there for the market, but to mutually empower each other, being the ultimate portrait that cinema can be made for love.

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